Séries est un espace de métamorphose où s'entremêlent ressorts théâtraux et langage gestuel évoluant dans un univers puissamment visuel. La pièce traite d’identités et de fantasmes à l’ère du numérique et de la mise en scène de soi. Identités réelles, identités virtuelles, avatars de passage, avatars en devenir, Séries propose de s’intéresser à l’identité comme construction, comme fiction et comme perpétuelle réactualisation du fantasme de soi. Basée sur la création de figures aliénantes et/ou libératrices, Séries propose une expérience visuelle et sonore à travers laquelle sont interrogées les notions de nature et de culture, de fiction et de réalité.
Reine d’une nuit de vinyle, femme peau rouge, peau de vache, nouvelle Eve passée au jaune d’oeufs, femme-flic, de dos, képi, jambes nues et chaussures trop grandes, body-buildeuse plantureuse engoncée dans le dessin de ses muscles, femme phallus version chlorophylle, footballeur en plein tir au but… Celui ou celle pris.e dans ce manège ne sait plus où donner de la tête. Il/elle assiste médusé.e aux possibles identitaires de trois femmes qui se cherchent, s’inventent, et s’invitent à se dépasser. Des possibles qui s’accrochent au réel, ou qui au contraire s’en détachent avec jouissance. Titillant le sublime, s’ébrouant dans le trivial, jonglant avec les genres, osant le spectaculaire, le stylé, le sans dessus parfois ni dessous, Audrey Cavélius, Dominique Godderis-Chouzenoux et Teresa Vittucci sont les protagonistes de cette cathartique mascarade. Derrière elles, une grande tradition artistique les précède où le travestissement, la transformation, le passage d’un genre à l’autre, la nécessité de mettre à jour les stéréotypes, les catégorisations et les binarismes constituent les axes fondateurs d’un certain art du XXème siècle. En vrac, et dans le bon ordre, on repère Rrose Sélavy, cet alter ego féminin fictif créé en 1920 par Marcel Duchamp et immortalisé par Man Ray. On songe également à l’artiste suisse Urs Lüthi qui n’a de cesse depuis les années 70 de creuser - non sans humour- le questionnement de l’identité, dans sa dimension genrée et dans le rapport à autrui. On s’offre un arrêt sur les self-hybridations de l’artiste française Orlan, mixantsa propose image à celles de visages provenant de différentes cultures, elle fait de son corps et de ses images l'instrument privilégié où se joue notre propre rapport à l’altérité. Plus proche de ces portraits de femmes multiples proposées par Audrey Cavélius, Dominique Godderis-Chouzenoux et Teresa Vittucci, l’oeuvre de Cindy Sherman semble a priori être une source évidente. L’artiste américaine apparaît comme la grande soeur de ces 3 virtuoses de la transformation. De ses premières photographies noir et blanc inspirées par les vieux films américains ou dans sa série en couleur autour des clowns, ses corpus jouent sur ce que l’on paraît être et ce que l’on veut être réellement conformément à ses désirs. L’utilisation du propre corps de l’artiste américaine n’est néanmoins pas autobiographique, il est toujours imaginé par le biais d’une transformation, d’un contexte et d’une mise en scène, il met en joue les stéréotypes féminins. Au fil du temps, son corps devient le support d’une histoire collective.
Si l’on repère facilement les zones de contact entre l’oeuvre de Sherman et les portraits des 3 interprètes, il est bon aussi d’en distinguer les différences qui reposent également sur une transformation, un contexte, et une mise en scène, hors champs cette fois-ci. Basées sur la quête de l’identité et de ses propositions infinies, les voici aimantées par le principe de ce qu’on pourrait nommer Je est un autre et pourquoi pas un jeu. Un plateau-matrice orgiaque où tous les accessoires, vêtements, maquillages, matériaux ont nourri ces heures de métamorphoses. Pas d’idée préconçue, ni de scénario; aller à même la matière, sentir le corps, suivre le guide de ses obsessions, intuitions, zones d’inconfort. A côté du plateau, un studio photo mis en place et en lumière par Julie Masson, où il suffit de prendre la pose et de déclencher soi-même la ou les prises. Une fois les portraits réalisés, chacune s’en retourne ailleurs, sur le plateau pour voir si elle y est. Ce moment intime, ce face à face avec soi s’inscrit dans la continuité de la création en cours. Au départ, ces images devaient simplement servir à alimenter le carnet de bord de Séries. Pour la plupart, elle témoignent donc toutes d’une liberté de se projeter, de se chercher sans le poids d’avoir à exécuter quelque chose d’utile, de politique, elles se situent au loin d’un statement in progress. Trois petits tours et puis s’en vont.
Ainsi, ces variations de soi nous susurrent à l’insu de leur plein gré et dans leur inventivité contagieuse l’illusion d’une construction identitaire à travers l’image. Ainsi soient-elles.
Florence Grivel
DISTRIBUTION Mise en scène, scénographie : Audrey Cavélius Création et interprétation des photographie :Dominique Godderis, Teresa Vittucci, Audrey Cavélius Dispositif photographique et publication : Julie Masson Création musicale et interprétation : Christophe Gonet Création lumière et régie générale : Joana Oliveira Programmation vidéo : Jérôme Vernez Parurière : Cécile Delanöe Dramaturgie : Florence Grivel Construction podium : Stéphane Kläfiger
PRODUCTION NNC - NoNameCompany
COPRODUCTIONS Arsenic, Centre d'art scénique contemporain (Lausanne), Théâtre St Gervais (Genève), Pour-cent Culturel Migros.
SOUTIENS Bourse de compagnonnage Canton de Vaud / Ville de Lausanne, Pro Helvetia, Loterie Romande, Fondation Nestlé pour l'Art, Société Suisse des Auteurs, Migros Vaud, Fondation Engelberts.
Séries is a place for metamorphosis wherein theatrical techniques and corporal language intertwine and evolve in a strikingly visual environment. The piece explores notions of identity and fantasy and the staging of self within the current digital era. Real identities, virtual identities, passing avatars or nascent avatars, Séries approaches identity as a construction, as fiction and as the perpetual re-actualization of fantasy selves. Based on the creation of alienating and/or liberating identities, Séries proposes an audio-visual experience through which notions of nature and culture, fiction and reality are explored.
PUBLICATION AND EXHIBITION
Serial women
The queen of a vinyl night, a woman with red skin, with a cow’s skin; Eve revisited, doused in egg yolk; a female cop, seen from behind, wearing a kepi, with bare legs in too-big shoes; a buxom body-builder encased in her drawn-on muscles; a female chlorophyll phallus; a footballer giving a kick…. Whomever (no matter they be a he or she) should find themselves caught up in this merry-go-round really won’t know which way is up. In wonder they will discover the different possible identities of three women who search, who invent and who seek to surpass what they find. Theirs are possibilities that either grab hold of reality or on the contrary joyfully detach from it: titillating the sublime, wallowing in the trivial, juggling with gender, daring to be spectacular, to be stylized. Audrey Cavelius, Dominique Godderis-Chouzenoux and Teresa Vittucci are the protagonists of this cathartic masquerade.
A grand artistic tradition precedes them, a tradition fuelled by the need to recast stereotypes and redefine categories and binaries, in which transvestism, transformation and the passage from one identity to another constitute the fundamental principles of certain important artistic movements of the 20th century. Several specific artists come to mind, like Rrose Sélavy, the fictional alter ego created in 1920 by Marcel Duchamp and immortalised by Man Ray. Or the Swiss artist Urs Lüthi, in how he investigates – and not without humour – questions of identity related to gender and our relationship with the other. Then there are the self-hybridisations of the French artist Orlan, who mixes her own image with other faces and other cultures, making her body and the images she generates the privileged instrument through which our own relationship with alterity gets played out. And finally even closer to the multitude of feminine portraits proposed by Audrey Cavelius, Dominique Godderis-Chouzenoux and Teresa Vittucci, the work of Cindy Sherman would seem to be an obvious inspiration. The American artist is much like a big sister to these three masters of transformation. From her early black and white photographs, inspired by classic American films or her colour series about clowns, her corpus plays on what one appears to be and how one really wishes they were. And yet the artist’s use of her own body does not make the work autobiographic because of the fact that it is always used in terms of transformation, context and the dramatization or staging of feminine stereotypes. Over time her body becomes the means for expressing a collective history.
Although we may easily identify zones of overlap between Sherman’s work and the portraits of the three performers, it is interesting to distinguish the differences, which are also related to transformation, context and in this case the staging and preparation done off-camera. These images are drawn from the piece Séries by Audrey Cavelius, which premiered in May 2018 at the Arsenic, centre for contemporary performing arts in Lausanne Switzerland. Based on an investigation into identity and the infinite number of its possible manifestations, the work seems to draw on a principle we could call I is another and why not a game. Without any preconceived notions or scripted scores, the idea was to dive right into the raw materials, to listen to the body, follow each obsession, intuition or zone of discomfort. The stage serves as an orgiastic matrix, a place of creation in which all the accessories, clothes, make-up and materials fed the many hours of metamorphosis. Next to the stage a photo shoot area was installed and lit by Julie Masson. There the performers could strike a pose and snap a picture or pictures of themselves at will. Once the pictures had been taken they could return to the stage to go in search of another one of their possible “selves”. This intimate moment face to face with oneself is inscribed in the continuity of the piece. And although the images were initially intended as a simple means to nourish the performers’ research they finally testify in large part to the enormous freedom that can be found in self-projection, in being able to search without the pressure of having to produce something perfectly pertinent, polished or political. Like a statement in progress.
Now you see them, now you don’t. And thus these variations on the self seem to speak to us implicitly, through their wilful drive and contagious inventiveness, through images that attest to the illusion inherent to identity construction.